BUERO VALLEJO Antonio

Il se destine d'abord à la peinture. Il participe à la guerre civile du côté des républicains, et il reste emprisonné pendant plus de cinq ans ; il décide alors de se consacrer au théâtre avec l'idéal de « devenir une partie de la conscience de la société ». La conscience tragique de l'existence humaine, partagée entre son aspiration à la liberté et à la vérité et les contraintes impitoyables du mensonge, de la mort ou du mal, informe son œuvre d'une très haute exigence esthétique et morale.

Violence et aliénation

Historia de una escalera (Histoire d'un escalier, 1949) fait sensation au moment où le théâtre de l'après-guerre, en Espagne, connaît un profond marasme. Autour d'un escalier – symbole de l'immobilité sociale et de la fatalité du destin – l'auteur décrit les querelles, les aspirations, les frustrations de trois générations de familles pauvres. Hoy es fiesta (Aujourd'hui c'est un jour de fête, 1955), autre drame social, a pour espace scénique la terrasse d'un immeuble ; les locataires doivent s'allier contre l'autorité arbitraire de la concierge pour pouvoir l'utiliser. Entre la violence et le pouvoir, il n'y a que l'espoir que chaque personnage incarne à sa façon. Las Cartas boca abajo (les Cartes retournées, 1957) et Casi un cuento de hadas (Presque un conte de fées, 1953) s'inscrivent aussi dans cette veine réaliste.

En la ardiente oscuridad (Dans l'ardente obscurité, 1950) met en scène des personnages aveugles. Leur cécité est le symbole de leur condition tragique : misère existentielle, aliénation, spoliation. Leur destin se joue entre la résignation ou la révolte. Le drame de la frustration, déjà présent dans Historia de una escalera, se déplace ici sur un plan métaphysique. Llegada de los dioses (l'Arrivée des dieux, 1971) reprend le thème de la cécité dans un sens différent : le héros « refuse de voir » le mal ou l'injustice autour de lui. Dans ces drames existentiels, c'est toujours en fin de compte de l'individu qu'il s'agit pour le sauver du monde, des autres ou de lui-même. La Tejedora de sueños (la Tisseuse de rêves, 1952), La Señal que se espera (Le signal qu'on attend, 1952), Madrugada (Petit matin, 1953), Irene o el tesoro (Irène ou le trésor, 1954) envisagent respectivement les thèmes de la pureté morale, de la vérité et du mensonge, des choses mystérieuses ou de l'espérance. Diálogo secreto (Dialogue secret, 1984) traite de la mauvaise foi et de la culpabilité.

Inquiéter et guérir

Inquiéter et guérir : telle est pour Buero Vallejo la double fonction de la tragédie. Ces « exaltantes leçons d'humanité » que donnent les tragédies de Buero Vallejo sont particulièrement émouvantes dans ses drames historiques. Un soñador para un pueblo (Un rêveur pour le peuple, 1958) représente le marquis de Esquilache, ministre du roi Charles III, à l'époque du despotisme éclairé. Ce ministre intègre et lucide est aux prises avec une mutinerie du peuple espagnol attaché à ses traditions et à son obscurantisme. Le ministre est contraint de choisir l'exil et de sacrifier son œuvre pour éviter une guerre civile dont le peuple serait la première victime. Las Meninas (les Ménines, 1960) donne vie aux personnages du célèbre tableau de Vélasquez. À la cour du roi Philippe IV, microcosme de la nation espagnole, règnent le mensonge, l'irresponsabilité, la corruption morale, une idéologie fondée sur des mythes fallacieux, la foi, la patrie, l'ordre moral. Vélasquez, le peintre de cour, devient le symbole de l'artiste ou de l'intellectuel épris de vérité, de liberté, d'indépendance, épris du « tourment d'y voir clair dans un pays d'aveugles et de fous. » En affinité avec ce monde de l'art, Buero Vallejo s'identifie étroitement avec le peintre. La pièce est admirable. El Concierto de San Ovidio (le Concert de saint Ovide, 1962) se situe à Paris, en l'an 1771. Les personnages sont un groupe d'aveugles de l'hospice des Quinze-Vingts. La pièce montre diverses attitudes devant la cécité qui est toujours pour l'auteur l'image de « la lutte de l'homme, avec ses limitations, pour la liberté. » Valentin Haüy intervient dans la pièce comme le rédempteur de la tragédie et le pourfendeur de la bonne conscience.

Historique et politique

El sueño de la razón (le Songe de la raison, 1970) se situe à Madrid, en 1823, pendant une vague de persécutions contre les libéraux provoquée par le roi Ferdinand VII et son ministre Calomarde. Goya, enfermé à la fois dans sa maison et dans sa surdité, en est le héros et la victime. La vraie scène de la pièce est la conscience du peintre à laquelle se superposent la conscience de l'Espagne et celle du spectateur. L'écrivain romantique M.J. de Larra est le héros tragique de La Detonación (la Détonation, 1977). Le coup de feu par lequel il met fin à sa vie semble viser aussi le cœur même d'une Espagne en pleine décadence. La Fundación (la Fondation, 1974) est une fable symbolique sur le tragique de la condition humaine. D'autres pièces de Buero Vallejo sont centrées sur la politique. La Doble Historia del doctor Valmy (la Double Histoire du docteur Valmy), d'abord interdite par la censure, ne fut représentée qu'en 1976 en Espagne. C'est un drame sur la torture. El Tragaluz (le Soupirail, 1967) envisage à partir d'un futur hypothétique l'examen d'une époque révolue, celle de la guerre civile où divers membres d'une même famille prirent des engagements différents.

Le théâtre de Buero Vallejo conserve toujours une double dimension, sociale et ontologique, qui lui donne sa double valeur de contestation et de méditation. Son originalité tient aussi aux techniques nouvelles qu'il met en œuvre dans l'espace de jeu scénique : effets sonores, lumineux ou plastiques, moyens audio-visuels, ruptures de l'espace et du temps. Sa dramaturgie s'inscrit avec brio dans le meilleur théâtre européen actuel. En Espagne sa trajectoire est considérée comme exemplaire.